Des erreurs ou travers observés chez les apprentis dessinateurs 

Enseigner le dessin permet de voir des freins récurrents, des difficultés qui se posent à un grand nombre et que j'observe dans les travaux de mes étudiants. Je vais essayer de les dénombrer.

Dessiner une même chose avec deux échelles différentes.

Travers assez classique puisque l'oeil va du réel au papier et certaines fois l'observation peut être juste au niveau de la partie mais pas de l'ensemble. par exemple on commence par faire un visage à une certaine échelle puis le torse à une autre. C'est le collage des deux qui crée un effet bizarre. Giacometti a dit comment il lui était difficile de fixer une réalité qui à la fois s'éloignait ou se rapprochait de son oeil. Il faut être capable dans ces allers-retours de recomposer, synthétiser, corriger au fur et à mesure que le dessin "monte".

Je crois qu'il faut être attentif à la réalité jusqu'à un certain point mais aussi à un moment donné dépasser cette problématique pour trouver une cohérence interne au dessin lui-même. Bref, il faut regarder son modèle mais aussi le dessin se faire peu à peu. Est-ce que ça tient debout en tant que dessin? C'est plus important que la fidélité photographique. On n'est pas des machines.

Tuer le trait.

Souvent, à force de peur et d'hésitations, on revient trop sur le trait et on l'alourdit par trop de reprises. On lit cette retenue dans le résultat final. Certes il est difficile d'attaquer le papier de façon volontaire, sans peur de rater. Il faut faire ses gammes jusqu'à prendre confiance.

Autre aspect : sur un premier trait jeté qui a sa propre force, on veut repasser dessus. Bien souvent cela amoindrit l'énergie première de ce trait, soit en le masquant, soit en le dédoublant. Faire cela est en quelque sorte une façon de nier la première intention et la recouvrir. C'est un peu le dilemme qui se pose quand on doit encrer (notamment en bande dessinée) et certains perdent après cette étape une fraicheur initiale.

Dernière remarque : on est souvent confronté au début à un excès de zèle. On veut trop bien faire, pensant que cela passe par du quantitatif, des détails, etc. Et, sur une base intéressante, tonique, on finit par trop recouvrir et "charger." Combien de fois en passant parmi les tables je vois des choses très énergiques et spontanées et au tour d'après - trop tard- cet état là a disparu, trop recouvert par des"finitions" inutiles. Il faut savoir s'arrêter. Ce n'est pas évident car il y a souvent une peur du vide, on veut finir, remplir. Et puis on se dit : mais si je ne rajoute pas plus de choses ça fera pas fini. Je lutte beaucoup contre cette fausse idée et le travail consiste à faire percevoir à chacun le moment du "stop, ça suffit, il est inutile d'en faire plus". C'est d'ailleurs une problématique et une intuition du timing qui reste au coeur de la pratique du dessinateur, quel que soit le niveau ou l'âge.

Ne pas trop additionner d'effets 

Chaque dessin doit avoir une logique interne dans sa conception et qui créera une unité au final. Bien souvent, en débutant on tâtonne et s'essaie à plusieurs choses (ce qui est une très bonne chose en soi). Mais cumuler des effets différents au sein d'un même dessin amène des effets parasites ou des surcharges. Par exemple, si pour ombrer, on retrouve deux ou trois types différents de hachures, ça ne co-existe pas toujours de façon heureuse. C'est qu'il faut comprendre peu à peu que chaque trait à un sens, chaque ligne, hachure une raison d'être. Il faut se concentrer sur une logique donnée et l'amener jusqu'à son terme.

Ce qui explique ce défaut c'est sans doute aussi qu'on peut au début trop focaliser sur des signes extérieurs du dessin (techniques, styles...) alors que ces éléments doivent trouver leur raison d'être dans l'observation ou le dessin lui-même et non pas être plaqué comme on rajoute une couleur ou une tapisserie pour égayer une pièce. Cela doit participer de la structure et de la construction même du dessin, non pas de l'habillage ou du remplissage. Ce point acquis pour la plupart reste quand même un facteur subtil. Entre nécessité et artifices, essence et remplissage. Je crois même qu'on peut affiner la question toute sa vie de dessinateur : quel sens je donne à ce trait posé sur la feuille? Cette ligne a-t-elle sa raison d'être ou est-ce du tape-à-l'oeil? On rentre alors au coeur du dessin : l'intelligence du voir et la retranscription d'une émotion juste. 

Dessiner bien ou mal

Comment peut-on bien ou mal dessiner et par rapport à quels critères?

Premier constat : tout enfant dessine spontanément sans frein, sans connaissances particulières. Sans insister sur la dimension psychologique, c'est là un mode d'expression à part entière, un langage pré-verbal. Cet élan dépasse la question du jugement, du bien ou du mal fait. C'est. Et déjà tout est là : le geste, le trait, la ligne la couleur. Et avec, la vision du monde. A ce stade il n'y a pas de dessin mal ou bien fait. 

Deuxième constat : avec le fait de grandir et le fait de se confronter à de nouveaux modèles, à l'idée de réussite  arrive la peur de mal faire. L'envie de maîtrise, de ressemblance. C'est là que se font les différences. C'est aussi le moment où une grande partie des enfants arrêtent de pratiquer le dessin (étant perçu soit comme activité infantile sous sa forme libre, soit comme un choix d'une pratique particulière nécessitant "un don"). Arrive l'idée du bien fait / mal fait. Du je sais faire ou je ne sais pas faire. C'est réussi, c'est raté.

Autre chose : certains expriment le désir de revenir à l'esprit de cette époque bénie (l'enfance) par delà le bien et le mal (fait). Une sorte d'enfance de l'art et une volonté de se libérer des contraintes qu'on retrouve chez Picasso, Dubuffet, Twombly, Basquiat et tant d'autres. Dans ce cas on déplace les contraintes : on abandonne la dépendance à la simple ressemblance et au respect de règles pré-établies et classiques (proportions, perspective, mimétisme...). Conséquences? Ré-inventer un langage. Considérer le dessin comme une trace photographique d'un instant, d'une énergie, d'un mouvement. La main "vierge"de l'enfant associée à l'oeil expérimenté de l'adulte. Parce qu'aller contre les règles ne signifie pas absence de règle.

Bien sûr, il n'existe pas que ces deux voies : pour ou contre la ressemblance. On peut intégrer une forme de maladresse ou de liberté au sein d'un travail qui respecte certaines conventions classiques et mimétiques. Et la maîtrise peut apparaître aussi dans une approche apparemment maladroite ou ne se voulant pas mimétique. On ne peut donc dessiner bien ou mal que si on ne va pas jusqu'au bout d'une logique : soit dans une perspective de ressemblance (dessin comme reflet de la réalité) soit dans une perspective de liberté sans réellement intégrer les réalités de toute forme dessinée. Même si on vise une forme de maladresse ou de dessin brut, il reste que l'attention se portera quand même sur la gestion de la composition, sur la gestualité du trait, sur la présence des valeurs ou des contrastes. Il n'est pas si facile de faire n'importe quoi.

Un petit peu de lecture... Un entretien à propos du travail graphique autour de la musique en général et de l'expo Rock art en particulier. C'est ici... Bon dimanche.

http://crewchro.blogspot.com/2010/10/thibault-balahy-yann-tiersen.html?ref=nf